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Browsing by Subject "Espacialidad"

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Afectividades espaciotemporales en la obra de Eija-Liisa Ahtila
(Aranzadi, S.A.U, 2022) Segura Cabañero, Jesús; Simó Mulet, Antoni; Bellas Artes
Los objetivos que nos hemos propuesto en el presente texto son los siguientes: analizaremos la temporalidad y la espacialidad de la imagen en movimiento y su manipulación narrativa, visual, contextual y perceptiva en el trabajo del artista Eija-Liisa Ahtila. El caso de estudio de Eija-Liisa Ahtila que vamos a tratar en este texto se enmarca dentro de la evolución del cine expandido, dando forma posteriormente a la instalación cinematográfica contemporánea. Esta corriente artística disruptiva empezó en los años 90 y se ha afianzado en los últimos años. Su trabajo se organiza conceptualmente en torno a la construcción de la imagen, el lenguaje fílmico, la narrativa y el espacio. Incorporando también la exploración de los aspectos mundanos de las relaciones personales, la identidad individual y los límites del sujeto en relación con el mundo externo. Sus narraciones visuales se basan en historias reales, en su propia imaginación, y a veces también en obras literarias. Una de las características fundamentales de su obra es el planteamiento de cuestiones existenciales.
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Anri Sala: tiempos y espacios alterados
(GKA Ediciones, 2022-08-09) Segura Cabañero, Jesús; Simó Mulet, Antoni; Bellas Artes
En este texto analizaremos la obra de Anri Sala. Sus instalaciones audiovisuales utilizan los medios basados en el cine y el video, alterando los conceptos del espacio y el tiempo. En un primer apartado, proponemos la obra Time after Time (2003) donde rompe el tiempo y el espacio e introduce la idea de la disrupción de la cotidianeidad como tiempo de experiencia. En un segundo apartado, trataremos la obra Ravel, Ravel, Unravel (2013) en la que debatimos las manipulaciones del tiempo y el espacio. Y concluiremos, cómo Anri Sala invoca en su trabajo tanto a la emoción como al cuerpo del espectador.
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Beat Streuli: performatividades móviles
(Tirant Humanidades, 2021) Simó Mulet, Antoni; Bellas Artes
En este texto abordaremos la cuestión interdisciplinar entre las creaciones artísticas contemporáneas que responden a la complejidad del mundo contemporáneo que se nos presenta cada vez más delimitado por la distribución de espacios y tiempos de acuerdo a su uso políticos económicos y de control del espacio y el tiempo. Los procedimientos histórico-artísticos que incorporan una transformación del espacio en base a su uso social, económico y político. evidenciando La construcción de la historia occidental y de su tiempo lineal se articula entorno a poderes fácticos e intereses específicos de control y dominación. En el discurso sobre el espacio contemporáneo es imprescindible mencionar las teorías de Foucault en su conocido texto “Los otros espacios”, donde propone que una de las características de la concepción del espacio contemporáneo es, no ya el de la extensión, sino en el de la yuxtaposición, y en último lugar en la búsqueda de las heterotopías. Los bordes, las fracturas que delimitan estos espacios articulan una pluralidad de significados que podemos extender a la geografía, el urbanismo y el espacio público. Esta clase de espacios también incorpora el voyerismo, la vigilancia, la delimitación del espacio público y privado, la movilidad geográfica o la geolocalización.
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David Claerbout: la imagen móvil y el anacronismo performativo
(Editorial Gedisa, 2018) Segura Cabañero, Jesús; Simó Mulet, Antoni; Bellas Artes
La obra artística del artista belga David Claerbout se basa en las construcciones narrativas donde la temporalidad es un medio artístico y se usa para plantear preguntas e interpelar el espacio y tiempo del espectador. Claerbout elabora sus narrativas digitales a partir del recurso de la “fotografía en movimiento”, utilizando los dispositivos de representación como pretexto para encontrarse con el espectador y poder plantearle una reconstrucción de la memoria y la historia, que en muchos casos es pública, sacada de archivos históricos o de la prensa. Su construcción narrativa reproduce el “movimiento inmóvil” de los dispositivos convencionales como son el cine, la fotografía y los medios digitales, afrontando las significaciones, los límites y las suturas mediante la reconstrucción de tecnologías tradicionales y la implicación de tecnologías más avanzadas. Su trabajo artístico se ocupa precisamente de la naturaleza fugitiva del tiempo y el lugar en un momento que puede ser archivado, histórico, congelado, íntimo, declaratorio o simplemente reproducido para la posteridad. Su preocupación se sitúa en la incapacidad de cualquier forma de reproducción visual para capturar por completo la “realidad”. Y esa realidad para Claerbout es la duración, el tiempo, los movimientos del cuerpo, los gestos de la cara, los pensamientos que utilizamos los espectadores cuando estamos situados físicamente frente al trabajo artístico. La duración es un elemento analógico real, lo podemos comprobar de manera física y está ligada también a la velocidad con la que miramos las exposiciones. En cierta medida, cuando el espectador trata capturar la obra se le abre el espectro del tiempo en la duración de pasado, presente y futuro. Así de esta manera, analizaremos en este texto la obra de David Claerbout como una articulación del “espacio anacrónico” y la “temporalidad anacrónica” que está relacionada con el hecho de hacer y producir arte en la contemporaneidad. Este espacio y tiempo anacrónico se basan en las intervenciones artísticas que decodifican la obsolescencia de un tiempo-espacio y su estatuto anacrónico, como es el caso del artista David Claerbout, con modelos de pensamiento que dialogan entre pasado-presente y futuros posibles, reescribiendo una nueva funcionalidad histórica del lugar intervenido. En este sentido analizaremos su obra en base a los discursos de la memoria del lugar que han sido estudiados por autores como Andreas Huyssen, Henri Lefebvre, Dylan Trigg o Pierre Nora.
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Dislocated narratives in the alternative space-time of Christian Marclay’s The Clock
(GKA Ediciones, 2022-09-28) Ruiz Bañón, María Luz; Bellas Artes
The Clock is a video installation in which the fictitious rhythm of celluloid is humanised through a narrative that operates from the anachronism of the appropriation of archive images. Marclay uses in his montage different mechanisms of narrative, sound and visual dislocation which, together with the anachronistic use of the filmic image, generate a heterochronous experience in the spectator. The result is the generation of an alternative to the concept of normalised space-time, which is re-signified as a multi-rhythmic and heterogeneous concept, offering the possibility of thinking another reality that gives us back the autonomy and control of its experimentation.
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Narrativas temporales y espaciales en la obra de Melik Ohanian
(Peter Lang, 2025) Segura Cabañero, Jesús; Simón Casanova, María de los Ángeles; Bellas Artes
Melik Ohanian es uno de los artistas contemporáneos que trabaja con la temporalidad y la espacialidad de la imagen en instalaciones audiovisuales. Su obra cuestiona los medios, los soportes, las concepciones del tiempo y el poder alegórico de las imágenes en nuestra cultura global actual, recurriendo constantemente a temas como: los espacios inexplorados, el mundo de las relaciones y conflictos sociales y laborales, o el fin de las utopías revolucionarias, sociales, históricas o científicas. La obra de Ohanian se caracteriza por su innovadora experimentación en el cine y el vídeo, donde utiliza la espacialización de la imagen, el cine inmóvil y las proyecciones multipantalla. A través de la instalación fílmica, su enfoque cuestiona la temporalidad del presente y nuestra concepción de la narrativa histórica en la memoria colectiva. A través de estas obras, el espectador se enfrenta a la reflexión sobre los límites espaciotemporales y nuestras capacidades de recordar la historia que nos ha sido transmitida por los medios de comunicación de masas.
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O sentido do Lugar. Identidades líquidas
(i2ADS – Instituto de Investigação em Arte, Design e Sociedade, 2021-07) Loureiro, Domingos; Ruiz Bañón, María Luz; Bellas Artes
El SENTIDO DEL LUGAR. IDENTIDADES LIQUIDAS ofrece una visión alternativa de los lugares contemporáneos, relacionándolos con el comportamiento humano y la transformación de los espacios. Una exposición que aúna videoinstalación y fotografía en busca de una reflexión sobre la influencia de la globalización en la identidad, la diversidad cultural y social humana, así como en la modificación de los espacios. El objeto de este proyecto expositivo es lograr que el espectador se replantee su lugar en el mundo, poniendo en cuestión el ritmo frenético que marca la cadencia de nuestras vidas. Un ritmo marcado por los intereses establecidos por las cartografías del poder dentro de unos parámetros socioeconómicos centrados únicamente en valores como la productividad y el rendimiento. El lugar está conectado indisolublemente al concepto de tiempo, a los recuerdos, la memoria y las fronteras. Es una unidad tangible y finita del espacio que pueden ser experimentada a través de nuestros sentidos. En los espacios, diferentes tipos de personas, con heterogéneas identidades culturales, físicas y sociales, coexisten cada día. El SENTIDO DEL LUGAR. IDENTIDADES LIQUIDAS es una metáfora de cómo adaptamos constantemente nuestra identidad social como consecuencia de la homogeneización derivada del proceso de globalización, convirtiéndonos en nuevos ciudadanos con identidades líquidas o mutables. Vivimos juntos en ciudades difusas, donde todos estamos influenciados por todos y, al mismo tiempo, todos influimos en todos los demás. A través de la edición fotográfica y de vídeo, los personajes que aparecen en mis obras se desarrollan en entidades separadas que fluyen a diferentes ritmos y como un caleidoscopio que genera nuevas realidades y rompen con la narrativa lineal hegemónica. Unos personajes que parece cruzarse una y otra vez a través de mundos paralelos. El SENTIDO DEL LUGAR. IDENTIDADES LIQUIDAS pretende generar una atmósfera onírica y sugerente, en la que los espacios se diluyen y los personajes se convierten en estelas de luz y color. Una interpretación de la realidad construida por el hombre, que nos mueve sensorialmente a través de nuevas dimensiones espacio- temporales hacia una nueva realidad social.-------------------------
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Paisagens líquidas e tempos dissolvido. Cartografia artístico e a memória do lugar.
(Universidad Estatal de Campinas, 2020-12-09) Ruiz Bañón, María Luz; Bellas Artes
Este artigo analisa diferentes estratégias narrativas presentes na cartografia artística contemporânea como forma de refletir as diferentes temporalidades e espacialidades presentes na paisagem. Esses espaços têm sido submetidos nos últimos anos ao fluxo migratório da globalização e à dissolução das fronteiras espaço-temporais derivadas de um processo de intercomunicação em escala global, onde o local vem perdendo relevância em relação ao global. O objetivo desta análise é traçar um breve panorama de diferentes estratégias de reconstrução espaço-temporal e de delimitação de cronologias presentes na imagem da paisagem artística. E para isso, é realizada uma revisão de determinadas obras pictóricas, fotográficas e audiovisuais que podem ser consideradas representativas e que revelarão as diferentes estratégias utilizadas para refletir a memória líquida do lugar de diferentes formas.
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Performatividades digitales: Rafael Lozano-Hemmer
(Atena Editora, 2022) Simó Mulet, Antoni; Sin departamento asociado
Resumen: En la extensa obra de Rafael Lozano-Hemmer confluyen tres conceptos que serán analizados en este texto. Por un lado, la utilización de la tecnología como herramienta artística conlleva una reconceptualización de esta. La obra de Lozano-Hemmer indaga la resistencia y la incertidumbre en las zonas de indeterminación que provoca la subversión poética del uso de las tecnologías biométricas. Un segundo aspecto destacable en su obra es la performatividad, la interacción (relacional) del espectador con su obra. Lo performativo de sus piezas artísticas son claves para entender como se forma y se encarna la obra relacional y afectiva con los espectadores. El tercer aspecto que trataremos en el texto será la arquitectura y el espacio público, contextos en los que el artista desarrolla su seria llamada “Arquitecturas relacionales”. Así pues, a través de estos tres conceptos analizaremos obras como Body Movies (2002) Under Scan (2008), con las que se pretende crear experiencias sociales. Finalmente, las obras de arte de Rafael Lozano-Hemmer crean una serie de relaciones espacio-temporales e interacciones entre participantes y el entorno espacial y arquitectónico, que nos interesa destacar aquí.
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Políticas espaciales del afecto: el caso de Mona Hatoum
(Atena Editora, 2022) Simó Mulet, Antoni; Bellas Artes
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Políticas espaciales en la obra de Mona Hatoum
(MacGraw-Hill, 2016) Simó Mulet, Antoni; Bellas Artes
En este texto analizamos las transformaciones y desplazamientos espacio-temporales a través de lo que se ha llamado «giro performativo». Las estrategias de resistencia relacionadas con conflictos políticos, migratorios y sociales que operan en la producción artística contemporánea de Mona Hatoum son paradigmáticas al respecto. Estas interpretaciones de las obras de Mona Hatoum se basan en las intervenciones artísticas contextuales que abordan los cambios de paradigmas estéticos al interactuar con la transformación espacial en base a su uso social, económico o político en el mundo actual. Los deseos, la memoria y el desarraigo cuestionan e interrogan las nociones liminales y las fronteras político-culturales, en lo que se ha venido a llamar las resistencias a las cartográficas del poder. Abordaremos el estudio de las obras de arte de Mona Hatoum que incluyen la espacialidad geográfica, performativa y afectiva de lo global y lo local en sus instalaciones «cartográficas».
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Topologías perceptivas y atmósferas híbridas en la obra de Carsten
(Tirant Humanidades, 2022-08-29) Segura Cabañero, Jesús; Bellas Artes
En este texto planteamos la investigación de las frecuencias y espacios extradisciplinares y tecnológicos dentro del arte contemporáneo que responden a las expresiones y experiencias artísticas denominadas “híbridas” por su carácter intradisciplinar, en territorios distanciados como pueden ser la biotecnología, la microbiología, etc. En el espacio virtual de la globalización no sólo estamos todos conectados, sino que nuestras ideas, sentimientos, opiniones, incluso nuestras identidades navegan constantemente en un medio que une lo artificial con lo natural. Fredric Jameson expone que la globalización y la posmodernidad son la misma cosa, la globalización abarca la información, y la posmodernidad, por su lado, consiste en la manifestación cultural resultante. Roland Robertson declara que la globalización tiene que ver con el modo como se estructura la comprensión del mundo, y que gracias a las innovaciones tecnológicas se estandarizó el espacio-tiempo. El espacio está atravesado por la ciencia y la técnica y sus actividades responden a los totalitarismos de la información y de las finanzas. En esta reconstrucción espacial, consecuencia de la fuerte presencia de la ciencia y los intereses económicos, el objetivo de la práctica extradisciplinar, permite buscar un punto de partida, que nació hace décadas en la “crítica institucional” con figuras representativas dentro del mundo del arte como es el caso de Cärsten Höller. Así, analizaremos la obra del artista Carsten Höller que aplica su formación como científico a su trabajo como artista. Sus obras se centra especialmente en la naturaleza de las relaciones humanas y la recreación espacial y atmosférica. Su trabajo transforma el ambiente del espacio expositivo institucional e invita a los visitantes a participar de maneras inusuales, considerando el museo como un espacio para la experimentación. La mayoría de sus obras representan una estética relacional, lo que significa que los proyectos creados están inspirados en la relación que las personas tienen con sus contextos sociales. Höller realiza experimentos cuasi-científicos que afectan el estado de percepción de la audiencia. Con un diálogo incorporado, perceptivo e interactivo entre el artista, el espectador y el entorno, estas obras de arte tienen como objetivo mejorar nuestra experiencia estética y aumentar nuestra conciencia del cuerpo en el espacio y en la acción.

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