Cartaphilus 2016, V. 14

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https://hdl.handle.net/10201/51644

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César Atahuallpa Rodríguez: la interiorización poética postmodernista peruana
(2016-12-31) Segura Zariquiegui, Ainhoa
El postmodernismo peruano comienza en 1911 con la publicación de Simbólicas de Eguren y finaliza con los Heraldos negros de Vallejo en 1918. En este artículo se va a analizar la vida y la poesía de César Atahuallpa Rodríguez, uno de los autores más genuinos de la corriente postmodernista insurrecta de Perú. El objetivo de este artículo es dar luz sobre la vida y la obra de este gran poeta y aportar datos para una mejor comprensión de su poesía. Vamos a analizar los puntos más novedosos basándonos en los parámetros de la crítica literaria y de la literatura comparada. El resultado principal es la demostración en su estética del uso de la mezcla de lo tensivo-intensivo en este autor que nos brinda un conocimiento más profundo y sistemático de su obra.
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Violencia y teatro: perspectivas de la representación violenta en escena
(2016-12-31) Saura Clares, Alba; Guerrero Llorente, Isabel
La escenificación de la violencia ha sido sumamente prolífica en el teatro desde sus orígenes. Como en los fragmentos anteriores, el teatro ha mostrado numerosos actos violentos desde disímiles fórmulas, tanto en su desarrollo fuera de escena y posterior narración -como en la noticia del suicido de Ofelia en la obra shakespeariana-, a su visualización impactante ante el espectador. En ambos casos, textualizada o representada, la violencia se desarrolla ante un público consciente de hallarse ante una ficción; en nuestros ejemplos, ni la muerte de Ofelia ni el ahorcamiento de Pavlovsky o los cadáveres que ruedan montaña abajo en la propuesta de Liddell son reales. No obstante, el efecto que buscan causar en el espectador no está relacionado con su carácter de realidad o ficción, sino con la violencia que ambos generan, alcanzando incluso la posibilidad de que el receptor pueda compartir un vínculo contextual y referencial con la propuesta del autor. Se establece, entonces, una reflexión sobre cómo el teatro, en su característica de ficción representada, escenifica la violencia y cuál es el amplio abanico de experiencias que genera ante el espectador en relación con sus propias vivencias frente a lo violento.
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Haber y tener: el origen de dos auxiliares del español contemporáneo
(2016-12-31) Martínez Díaz, Eva
En el presente trabajo queremos dejar constancia del avance en el proceso de sustitución de haber por tener en la perífrasis modal haber de + infinitivo por tener que + infinitivo. Constituye una hipótesis de esta investigación establecer un paralelismo entre la sustitución de haber por tener que en el siglo XV se produjo en el núcleo predicativo y la sustitución de haber por tener en el auxiliar de la perífrasis verbal que está prroduciéndose en la segunda mitad del siglo XX. En la actualidad, puede observarse que cada vez se usa con mayor frecuencia tener que. Sin embargo, este cambio lingüístico tan sólo aparece consumado en la lengua actual del coloquio: en la lengua conversacional, espontánea y no formal aparece casi exclusivamente tener que.
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El teatro de Griselda Gambaro en los 60: la identidad mutilada de sus víctimas
(2016-12-31) Ortiz Padilla, Yolanda
El teatro de Griselda Gambaro elabora un conflicto específico que funciona como eje principal de la acción: la relación que se establece entre víctima y victimario. El presente artículo se aproxima al personaje de la víctima en la producción dramática de Gambaro durante los años sesenta: Las paredes (1966), El desatino (1965), Los siameses (1967) y El campo (1968). Presentaremos, en primer lugar, los rasgos inherentes de dicho personaje-víctima que nos lo muestran sobre el escenario como un antihéroe, para explicar después el efecto que el programa de torturas del victimario -el despojamiento, la atribución de cualidades monstruosas y la imposición del fingimiento- tiene sobre su identidad. En tal análisis, atenderemos a los procedimientos teatrales de los que se sirve la autora para construir esta realidad literaria, como por ejemplo el "conflicto estático" o la "causalidad indirecta". Por último, plantearemos cómo el carácter paradigmático de estas piezas propone posibilidades interpretativas que no se limitan al tiempo y al espacio en el que fueron creadas.
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Tragedia de venganza y arte del cuerpo en el banquete caníbal de Peter Greenaway
(2016-12-31) Perni, Remedios
El propósito de este ensayo es poner de manifiesto la confluencia de la tragedia de venganza y las prácticas extremas del arte del cuerpo o body art en la película El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1991) de Peter Greenaway, poniendo especial atención en la escena final del banquete caníbal. La obra del cineasta británico está salpicada de imágenes de violencia provenientes del teatro isabelino y jacobeo -en concreto de dramaturgos como William Shakespeare y John Ford- filtradas a través de las teorías teatrales de Antonin Artaud y Bertolt Brecht. Del primero toma Greenaway su noción de crueldad; del segundo, las técnicas de distanciamiento necesarias para afrontar la imagen desde una posición crítica. El resultado transciende las distinciones genéricas entre teatro y cine, acercándose ética y estéticamente a las prácticas de arte extremo habidas en Europa desde los años sesenta.
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Una lectura de "Adán Buenosayres" desde el mito de Narciso
(2016-12-31) Davis González, Ana
Una de las novedades que presenta la narrativa del siglo XX ha sido la experimentación formal, tanto a nivel lingüístico como de disposición argumental con el fin de distanciarse de la novela tradicional. Desafiando los límites espacio-tiempo y jugando con el papel del lector, muchos escritores han renovado la organización estructural de dicho género. En Argentina, una de las obras que más ha destacado en este aspecto ha sido Adán Buenosayres (1948) de Leopoldo Marechal. La novela contiene siete Libros interdependientes que, a su vez, poseen su propio núcleo temático y formal sin que los acontecimientos se sujeten a un orden cronológico. Estos factores determinan la necesidad de desentrañar ciertas claves de la novela que reestructuren el mundo marechaliano de manera coherente. El objetivo del presente artículo consiste en llevar a cabo una lectura del final de la novela y del destino del protagonista a partir del mito de Narciso, mito que aparece en dos breves pasajes de la novela y que el escritor desarrolla detalladamente en su ensayo Descenso y Ascenso del alma por la Belleza (1939). Considero que examinar el Adán desde la interpretación del mito propuesta por su autor permitiría dilucidar algunas cuestiones relevantes acerca de la fortuna del protagonista, aspecto ampliamente debatido por parte de la crítica.
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Las fuentes de La carne de René: tradición, teatro y absurdo
(2016-12-31) Molina Sánchez, Juan Antonio
El trabajo es una indagación acerca de las fuentes literarias y filosóficas de la novela de Virgilio Piñera La carne de René. De esta forma, son puestos de relieve todos aquellos elementos de los que se nutrió el ideario espiritual e imaginario de esta novela: aspectos cristianos, motivos literarios, argumentos provenientes de la filosofía e ideas de Albert Camus, así como precedentes dentro de esta corriente.
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La reinvención de Cuba a través de 'Orígenes': claves de su visión poética de la Historia
(2016-12-31) Fernández Díaz, José Javier
El presente trabajo pretende establecer los conceptos básicos que a nuestro juicio configuran el imaginario del grupo de poetas cubanos vinculados a la revista Orígenes, así como los instrumentos conceptúales a partir de los cuales construyeron lo que Rafael Rojas llama las "Poéticas de la Historia" (2002:151-185): una visión de Cuba idealizada, una república de los poetas, como soñaba Juan Ramón Jiménez, que aspiraba tanto a cambiar el rumbo de la poesía como la historia de la isla.A lo largo del artículo trazaremos un recorrido por los motivos fundamentales del proyecto origenista: su contexto histórico, las teorías previas a las que se oponen, su génesis e influencias, para desembocar en el breve comentario de los libros básicos en los que cristaliza dicho ideario. Al ser un tema tan vasto y complejo, conscientes de la de la naturaleza de la presente monografía y de la imposibilidad de tratar en profundidad los diferentes apartados, se propone una visión panorámica: un itinerario sincrético por los principales núcleos temáticos de uno de los movimientos poéticos más importantes de la historia de la literatura cubana.
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El ángel melancólico del descubrimiento americano: una lectura benjaminiana de El arpa y la sombra de Alejo Carpentier
(2016-12-31) Longoni, Bruno Andrés
Nuestro trabajo busca establecer relaciones entre el tiempo histórico "total" de El arpa y la sombra, última novela de Alejo Carpentier, con el ángel melancólico que Benjamin bosqueja en sus Tesis sobre el concepto de la historia. La visión mesiánica y carnavalesca de la novela condensa en un tiempo mítico el pasado, el presente y el futuro, aboliendo con ello la concepción historiográfica tradicional continua y progresiva para adoptar una perspectiva dialéctica donde los eventos se presentan como ruinas que centellean sin estar enlazados por la causalidad y donde el pasado es conducido a su propia destrucción en la simbólica desintegración del fantasma de Cristóbal Colón.
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Del molino y su mundo en la literatura tradicional-popular
(2016-12-31) Tomás Loba, Emilio del Carmelo
El tema del Molinero, la Molinera o el Molino como campo léxico-asociativo es uno de los elementos temáticos más recurrentes de la literatura en su multidisciplinariedad abarcando anécdotas de todo tipo. Precisamente pretendemos, desde este trabajo enmarcado en el campo de la oralidad, la tradicionalidad y el concepto de lo popular, distintos todos, subrayar el tesoro patrimonial inmaterial que nos ha legado la palabra a través de sus múltiples manifestaciones literarias, musicadas o no, sobre el mundo del Molino como punto de encuentro temáticos.
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La literatura infantil de Federico García Lorca: escritor y conferenciante de nanas
(2016-12-31) Barrantes Martín, Beatriz
Federico García Lorca es uno de los escritores más completos de la nómina literaria española. Cultivó todos los géneros y se adentró también en el mundo de la crítica. En este artículo analizaremos la vertiente conferenciante de Lorca, en concreto el texto que escribió y dictó sobre la nana española. A continuación, cotejaremos dicha conferencia con las nanas que el propio Lorca escribió. El mundo lorquiano siempre es más complejo de lo que, en un primer momento, puede parecer y, en este caso, observaremos que conferencia y poesía se enriquecen considerablemente si el lector se acerca a ellas desde una perspectiva intertextual.
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Referencia bibliográfica: Un duelo de labores y esperanzas. Don Francisco Giner en su centenario (1839-1915) / Raquel Velázquez Velázquez (ed.)
(2016-12-31) Castany Prado, Bernat
En un breve relato titulado "Del rigor de la ciencia", Borges imagina un mapa que mide lo mismo que el territorio que representa. A esta extensa reseña no le ha faltado mucho para parecerse a ese vano mapa. Valga este error de reseñista como prueba de la enjundia de este libro, exquisitamente editado por la profesora de la Universidad de Barcelona, Raquel Velázquez Velázquez, en el que abunda más el grano que la paja. Los once capítulos que componen Un duelo de labores y esperanzas. Don Francisco Giner en su centenario (1839-1915), escritos por una amplia representación del excelente elenco de profesores de literatura española moderna y contemporánea de la Universidad de Barcelona, constituyen una completa visión panorámica de ese "Sócrates español" que, en palabras de Miguel de Unamuno, fue Francisco Giner de los Ríos.
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"Claves temáticas en la narrativa chilena escrita por mujeres en la Generación del 50: Mercedes Valdivieso, María Elena Gertner y Elisa Serrana"
(2016-12-31) Suárez Hernán, Carolina
Este trabajo pretende analizar las obras de las escritoras de la Generación del 50 Elisa Serrana, Mercedes Valdivieso y María Elena Gertner con la finalidad de extraer sus claves temáticas así como los elementos que forman el discurso narrativo femenino de este período. Se establecen los vínculos de este discurso con otros textos producidos por mujeres y con el contexto social de los avances y retrocesos del movimiento feminista. Así mismo, esta reflexión se sirve del concepto de "violencia simbólica", elaborado por Pierre Bordieu, y los de "vigilancia jerárquica" y "cuerpos dóciles", desarrollados por Michel Foucault, para el análisis de los textos y de su contexto.
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La violencia poliédrica en August: Osage County (2007), de Tracy Letts: muerte, dominación y decadencia
(2016-12-31) Marín Cobos, Nieves
El uso que de la violencia hace Tracy Letts en su pieza August: Osage County (2009) es múltiple: la violencia condiciona la atmósfera, el tema, las acciones y las relaciones de los personajes, adquiriendo así una multiplicidad de formas que se retroalimentan. Partiendo de un espacio-tiempo constringente y de una situación traumática como es la muerte del padre por suicidio, el texto presenta los distintos conflictos que surgen en una familia sumida en la incomunicación que sólo sabrá resolverlos mediante el recurso a la violencia verbal y física. Estas dos formas de violencia son capitalizadas por Violet y Barbara, madre e hija, que establecen una lucha por el control de la casa y de aquellos que ahora la habitan. Mientras que la primera se sirve de un uso descarnado y cruel de la verdad, la segunda sucumbe al peso del secreto y perderá el control. La única salida posible será la inversión del valor de la verdad: de arma arrojadiza se transformará en oportunidad de liberación mediante su asunción, cruenta igualmente por cuanto implica romper con una ficción auto-construida de la que sólo Barbara sabrá desprenderse. Dicha lucha opera sobre la base de un conflicto generacional que traslada la violencia sin centro ni control ejercida en esta obra al campo de lo metafórico: el abuso de la violencia representa en última instancia el colapso del sistema social del American way of life, aquí encarnado por la Greatest Generation.
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Reseña del volumen "La muerte violenta en el teatro" /Jesús G Maestro (ed.)
(2016-12-31) Abad Caballero, Álvaro
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Las dos se hacen con sangre: la violencia repetida en Todos los gatos son pardos, de Carlos Fuentes
(2016-12-31) Sanchis Amat, Víctor Manuel
El artículo aborda en primer lugar la recepción del convulso año de 1968 en el teatro mexicano contemporáneo. Los acontecimientos del 2 de octubre en la Plaza de Tlatelolco motivaron una reflexión identitaria que asimilaba una constante de reiteración de la violencia en la historia mexicana que inaugura Octavio Paz en Postdata, ensayo que apostilla El laberinto de la Soledad. A partir de la noción de traslación referencial que plantea Daniel Meyran, analizamos en esta línea la pieza teatral de Carlos Fuentes Todos los gatos son pardos (o Ceremonia del alba) en la que el trágico 1968 se reinterpreta a luz de los personajes que protagonizaron la conquista de México en el siglo XVI.
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Violencia física y psicológica en el teatro de José Echegaray: la etapa de María Guerrero
(2016-12-31) Muela Bermejo, Diana
El presente artículo aborda los quince últimos años de la producción dramática de José Echegaray, que corresponden con la etapa en la que la actriz María Guerrero protagonizó sus obras. Este periodo, en el que se produce una transición del teatro masculino al femenino, presenta variaciones con respecto a las anteriores; no sólo por los asuntos que en ella se plantean sino, también, por las modificaciones de los efectos que se utilizaron. Las acciones violentas fueron una constante en todo el teatro de Echegaray, desde los dramas románticos en verso hasta sus últimas experimentaciones simbolistas. Son, además, el rasgo más representativo de su teatro, cuyo fin último era impresionar al público, que se deleitaba al observar situaciones extremas sobre los escenarios. Suicidios, asesinatos, duelos, peleas y maltrato físico y psicológico son algunos de los componentes que ofrecen sus dramas, pero también las comedias que más se acercan al teatro clásico. Ponen de manifiesto, pues abarcan más de tres décadas de producción teatral, que la violencia era en el siglo XIX el elemento considerado "teatral" por excelencia, puesto que su paulatina desaparición corresponde con la catalogación por parte de la crítica de obras como "no teatrales" en los autores del cambio de siglo.
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Be Violent Again: Violence, Realism and Consumerism in Arthur Miller's Death of a Salesman and Mark Ravenhill's Shopping and Fucking
(2016-12-31) Pina Coelho, Rui Manuel
In this paper I will consider the 1950s as a seminal period for the configuration of violence in modern drama and as a crucial moment for the fusion between violence and realism. In post-war drama, we will not see violence portrayed as an extreme action or as unbelievable acts. Violence becomes the natural way to express social and individual tensions, through class conflicts, strong language and war motives. Themes such as the display of physical violence, the failure of the human body, exposing dysfunctional families and war effects, becomes more and more common and attached to everyday life. This was fertile ground for John Osborne, Edward Bond or Arthur Miller, or for the British dramaturgy of the nineties, especially with the so-called in-yer-face theatre.Thus, I will focus on the effects this global discussion had on Portuguese culture and theatre. I will discuss two performances that are both representative of the Portuguese alternative culture of the time and that stage texts that deal with realistic violence: Arthur Miller's Death of a Salesman by Experimental Theatre of Oporto (TEP), in 1954; and Mark Ravenhill's Shopping and Fucking, directed by Gonçalo Amorim, in 2007. Both performances represent straightforward approaches to the texts and raise several interesting aspects: how is violence portrayed inPortugal, in 1954, when a fascist dictatorship imposed a severe censorship on performances? And how is Ravenhill's violence replaced by irony in the performance by Gonçalo Amorim?
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La violencia racionalizada en Matadero solemne (1969) de Jerónimo López Mozo: del gozo trágico a la denuncia
(2016-12-31) Viñals, Carole
Jerónimo López Mozo (Gerona 1942) ha tratado con frecuencia la violencia de estado en su obra teatral (Guernica, El arquitecto y el relojero....). En Matadero solemne, la denuncia se centra en la pena de muerte como barbarie oficial. Usando técnicas venidas del Teatro Pobre, y con influencias de Weiss y Brecht, este dramaturgo comprometido y experimental, plasma en diez partes el juicio, la condena y la ejecución de un condenado.El eclectismo de este happening cuyo marco es intemporal no debe hacernos olvidar que esta obra se inscribe en un contexto, el de la dictadura franquista en el que fue escrito (1969) aunque no pudiera ser representado.En nuestro trabajo veremos como la violencia de estado es denunciada con uan serie de técnicas teatrales encaminadas a hacer pensar al espectador, moviéndole a manifestarse y comprometerse con la realidad de su tiempo.La puesta en escena de la violencia tiene en Matadero solemne un fin político.
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Margarita Debayle o las virtudes del poema para el público infantil y juvenil
(2016-12-31) Guerrero Almagro, Berta; Fresneda Ortíz, Aldo
El objetivo de este artículo es presentar un esbozo de la recepción poética entre el público joven. Si la lectura de poesía supone una experiencia incómoda para el receptor según aumenta su edad, en este artículo se proponen una serie de pautas para convertirla en un acontecimiento placentero. Se incluyen ejemplos de poetas hispanoamericanos que pueden apoyar la teoría expuesta y se concede especial interés al poema "Margarita".