Publication: Of space and time
Authors
García, Fran
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Universidad de Murcia. Vicerrectorado de calidad, Cultura y Comunicación
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DOI
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info:eu-repo/semantics/other
Description
Abstract
Con el proyecto Of space and time, se produce un acercamiento a las exposiciones
prolongadas en la fotografía y su manera de capturar la realidad. A lo largo de
este trabajo práctico, el autor desarrolla varias series (no todas contempladas),
presentando aquí: The city, The subway, Sloth y The very end. A través de ellas,
Fran García confirma la existencia de una temporalidad dentro de la fotografía,
aportando nuevas maneras de adherir el tiempo a la imagen y nuevas visiones del
tema dentro del medio fotográfico. Los principales puntos sobre los que gira el
desarrollo práctico son los siguientes: el tiempo que se recoge en la gestación
de la fotografía; el tiempo empleado en la muestra y recepción de la misma por
parte del espectador, y el tiempo generado por la ficción en las fotografías.
La principal característica común de las series es el solapamiento de todo
un intervalo de tiempo en una imagen fija, debido a una larga exposición. En
ellas, se fuerza el movimiento de cámara y plasma un recorrido espacial del
punto de vista además del intervalo temporal en el que se recoge la foto. Se
pretende captar el registro visual en una fotografía de todo un desplazamiento,
un recorrido temporal, que logra desdibujar la realidad a modo de una imagen
borrosa, pero contenedora aún así de todo el trayecto. Al respecto, Miguel
Melot afirma que “las fotos calificadas de ‘abstractas’ no son más que imágenes
de una realidad que se ha vuelto irreconocible. Es verdad también que la foto
capta todo lo que capta el objetivo, incluso lo que el fotógrafo no ha visto y
aquello de lo que se hubiera querido librar su campo visual”1 . En este caso,
cuanto mayor sea la duración de la exposición, más recorrido se documenta en la
imagen, pero más abstracta se quedará al final.
En cuanto al cómo se captura la fotografía y al tiempo relacionado con su
concepción, se parte de la serie The city. En ella, se establecen recorridos
temporales por diferentes ubicaciones urbanas, comprobando así los distintos
resultados y afianzando el lenguaje visual que se desarrolla en todo el proyecto.
Esta serie es la más larga, coincidiendo su realización con días lluviosos donde
la luz al aire libre es bastante más tenue, manteniendo así el equilibrio entre
la realidad recogida y el tiempo invertido.
En The subway, se cuestiona conceptualmente los espacios donde llevar a cabo los
recorridos. Se parte de la ciudad para condensar el bullicio de las calles y
las carreteras en una imagen estática. Centrada en los recorridos que se llevan
a cabo en un espacio dedicado a desplazamientos o transportes, estas imágenes
adentran al espectador a los pasillos del metro.
Se sigue la línea de trabajo marcada, cambiando el concepto y realizando viajes
en metro seriados, en los que se suceden dos eventos diferentes: la utilización
de un abono de diez viajes, para agotar por completo la cantidad de tiempo
proporcionada por el pago del billete, y el uso de un abono mensual, que amplía
la duración de la pieza durante todo un mes, obteniendo en este caso 26 viajes
en total. Las duraciones esta vez vienen acotadas desde que se pasa el billete
por la máquina hasta que se sale por la otra estación. Esta pieza acerca al
espectador a la visión de cómo se muestra la fotografía, lejos del blanco
esperado de las visiones por la duración de su concepción.
La serie Sloth es la evolución lógica de esta pieza dentro del metro, pretendiendo
provocar un rastro identificable en la imagen abstracta. Para llevarlo a cabo,
se centra en cintas transportadoras y escaleras mecánicas que permitan el
desplazamiento sin mover la cámara y así obtener un resultado más o menos
identificable del pasamanos, los escalones o la cinta, mientras que el resto del
recinto deja su huella pero no será reconocible. Como resultado, nos brindan
unos efectos formalmente muy llamativos, con fondos oscuros y rastros de luces
brillantes que generan una gran textura en el rastro de las cintas, pero que
apenas tienen un contenido reconocible.
Y para cerrar, The very end supone un compendio del resto de series, solapando
distintas temporalidades correspondientes tanto a recorridos por la calle como
a interiores en estaciones de transporte público. Culmina así la presente
investigación llevando a cabo una vuelta a la estética de las primeras series.
De esta manera, se arrastra la exposición, espacial y temporalmente, creando
recorridos que permanecen en la imagen, que han ido dejando su huella en la toma y han sido registrados por completo (a pesar de que la naturaleza de su creación
no les permita mostrarse de manera reconocible).
En este ámbito, y según Joan Fontcuberta, “el objeto se representa a sí mismo,
mediante la luz que refleja. La imagen no es más que el rastro del impacto de esa
luz sobre la superficie fotosensible: un rastro almacenado, un rastro-memoria”2.
Como consecuencia, las fotografías resultantes condensan efectivamente el lapso
del espacio y el tiempo invertidos y nos muestran una imagen estática como
resultado de todo un recorrido físico y temporal.
En este sentido, se trataría de incitar a la reflexión sobre los conceptos en
que se basa el proyecto fotográfico de carácter abstracto (no representativo).
Se nos presenta como un lugar que no sólo invita a la experimentación visual,
sino también al debate y a la reflexión sobre la dualidad entre la realidad
existente y la realidad aparente, aquello que realmente está ahí pero que no
somos capaces de ver directamente. Asimismo, estas obras abren nuevas vías de
investigación así como nuevas posibilidades temporales con la fotografía.
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