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Alonso del Arco y Antonio Castrejón, pintores madrileños del siglo XVII: nuevas incorporaciones a sus catálogos.
(2018) Pascual Chenel, Álvaro
Se recogen las últimas incorporaciones a los corpus pictóricos de Alonso del Arco y Antonio Castrejón, dos de los pintores de la escuela madrileña que desarrollaron su actividad en el rico ambiente artístico cortesano de la segunda mitad del siglo XVII.
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Ambrosio del Plano (h. 1612-1672). Pintor y dorador de su alteza Juan José de Austria: aproximación a su vida y obra.
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2023) Vicente Romeo, Álvaro
Miembro de una destacada dinastía de pintores, Ambrosio del Plano desarrolló su actividad artística en Zaragoza durante las décadas centrales del siglo XVII. Fue un pintor y dorador considerado e instruido, pues su destreza y capacidad propiciaron que al final de su trayectoria fuese llamado a trabajar para don Juan José de Austria, virrey de Aragón. En el presente estudio se realiza un análisis sobre su vida y su familia, además de trazar una aproximación a su obra y su actividad profesional. Asimismo, se muestran las relaciones personales que mantuvo con celebrados pintores como Jusepe Martínez, Francisco Ximénez Maza u otros artífices como el escultor Francisco Franco.
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Caïn et Abel: de la Bible à la peinture du XIXe siècle
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones., 2020) Nikou, Christos
Résumé: Cet article se propose d’examiner, dans un pre-mier temps, le mythe littéraire de Caïn dont les différents mythèmes se rencontrent beaucoup plus dans sa représentation en peinture que dans ses réécritures littéraires. Dans un second temps, l’article entreprend d’étudier les choix picturaux de la représentation de l’épisode bi-blique de Caïn et Abel dans quatre tableaux is-sus de quatre courants artistiques différents du xixe siècle, afin de voir comment chaque cou-rant artistique et chaque peintre s’approprie et, par la suite, transpose en peinture l’épisode des frères ennemis.
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Dos formas de espacialidad homosexual a través de la obra plástica de Gregorio Prieto y Federico García Lorca. De los espacios de ensoñación a las zonas de encuentro sexual entre hombres
(Ediciones Complutense, 2022-12-21) Martínez Oliva, Jesús; Bellas Artes; Facultades de la UMU::Facultad de Bellas Artes
Este trabajo pretende valorar el papel que juega la proyección espacial en la representación de incipientes identidades homosexuales en el arte español de las décadas de los años 20 y 30. A través del análisis de algunas fotografías y pinturas de Gregorio Prieto y algunos dibujos de García Lorca veremos cómo ambos autores adoptan dos resoluciones de diferente signo a la hora de abordar la espacialidad homosexual. Gregorio Prieto propone en sus pinturas y fotografías espacios de ensoñación, espacios utópicos que posibilitan la presencia homosexual. Esos “espacios otros” en los que la norma aparece eludida son presentados mediante el recurso de la invocación de un tiempo pasado. En su obra se superponen la evocación mitificada de la antigüedad clásica, como el enclave en el que la pederastia era una respetada forma de amor, con el tiempo presente representado por los marineros, tropo de la homosexualidad en las primeras décadas del siglo XX. De forma comparativa mostraremos cómo en los dibujos de García Lorca, cargados de sensualidad erótica y de referencias a sus propias experiencias vitales, late el pálpito de una incipiente subcultura homosexual. El rebosante erotismo telúrico de sus dibujos de bosques y parques o la idea del merodeo en torno a espacios tabernarios vinculados al alcohol y a los marineros son metafóricas figuraciones de las zonas de encuentro sexual entre hombres de la época, en los que podía confluir el cruising con la prostitución. Estos espacios cobran especial relevancia para el autor tras su experiencia neoyorquina y cubana. ---------------
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La educación artística a través de las ciudades de Gerhard Richter: materialidad, agencia y memoria tras la II Guerra Mundial
(Universidad de Murcia. Servicio de publicaciones, 2020) Murillo Ligorred, Víctor; Revilla Carrasco, Alfonso
El presente trabajo aborda la obra de Gerhard Richter desde su relación con la representación de la ciudad. Richter trae al frente un tipo de pintura basado en la interpretación de algunas urbes europeas desde la abstracción que traen al frente la presentación en planta, de vistas cenitales, que configuran sus espacios. Esta desfiguración de lo característico de un lugar, conecta la tradición figurativa con los nuevos lenguajes gestuales en la segunda mitad del siglo XX. Las revisiones de la ciudad a partir de la abstracción de sus planos enlazan con la memoria enterrada bajo sus ruinas, proveniente de los conflictos bélicos de la II Guerra Mundial y se relacionan, a su vez, con lo fragmentario, lo anónimo y lo indiferente que en ellas habita. Forzando una reflexión en términos icónicos en plena reconstrucción de la memoria histórica alemana, sirviendo como una metodología activa para la educación artística de los individuos a favor de una emancipación del alumnado en términos visuales.
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El color pantalla no es color pigmento. Reflexiones sobre el uso espectacular pero distorsionador del color en las exposiciones inmersivas dedicadas a Frida Kahlo.
(Universidad Complutense de Madrid, 2025) García López, Antonio; Bellas Artes; Blanca Fernández Quesada; Facultades de la UMU::Bellas Artes
Las recientes muestras inmersivas realizadas en España de la pintora Frida Kahlo suponen una oportunidad para reflexionar sobre aquellos aspectos expresivos que se pierden en el traslado cromático desde el lienzo a la pantalla digital. La pintura como medio de pensamiento autónomo y práctica corpórea frente a la “nueva realidad” del universo digi¬tal de lo intangible ¿es o no un antídoto ante el territorio de los datos, ante la saturación de imágenes digitales de colores brillantes caren¬tes de materia y corporeidad? ¿el color pantalla homenajea o traiciona el sentido original del color pigmento de los cuadros referenciados?
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Iconografía de manos en la pintura renacentista.
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2021) Turan, Caner
El estilo de pintura renacentista refleja todo tipo de principios, enfoques y comprensión del diseño plástico como un carácter estándar de las características históricas, políticas, religiosas, culturales y económicas de esa época. Al deshacerse de un tipo de perspectiva estricta y puramente centrada en la iglesia, los artistas del Renacimiento prácticamente comienzan a mirar la naturaleza, la ciencia, la literatura, la filosofía y, obviamente, la anatomía humana en un conjunto de mentes diferente. Una descripción razonable, equilibrada, científica y lógica de la vida humana lleva a los pintores a centrarse más en las partes del cuerpo humano. Aparte de los rostros de las figuras, las manos se convierten en partes esenciales del cuerpo para sujetar un espejo al universo interior de las figuras. Se incluyeron dentro del programa iconográfico tal que reflejaban las emociones y contemplaciones de la figura, y la conexión entre figuras y objetos. En este estudio, un examen a través de varias pinturas renacentistas arrojará luz sobre cómo los pintores como Giotto, Da Vinci, Michelangelo, Francesca y más utilizaron la representación de las manos como un aparato y como un lenguaje de sus propósitos creativos. Así, se manifestará una iconografía de manos en la pintura renacentista. Palabras clave: Renacimiento-pintura-anatomía humana-manos-lenguaje.
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Imagen-tiempo y cine lento contemporáneo. Proximidad con la tradición de la imagen estática
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2022) González Coves, Daniel
In current film production there is a specific category of cinema that has certain parallels with the static image and that has been denominated by various authors as slow cinema, due to its characteristics. In the analysis of the origins and attributes of this type of image, this study starts with the cinematographic concepts introduced by Gilles Deleuze and the differences that he pointed out between what he called the movement image and the time image. The movement image is related to classical cinema and based on montage and action, while time image, on the other hand, presents a type of cinema that, according to this author, arises from the Second World War and whose characteristics are related to the prolonged duration of the shots and its independence in relation to the montage, as well as inaction and stillness. The possible causes of the emergence of this cinematographic image are also exposed, in addition to its later evolution in the following decades through various authors and artistic movements that finally gave shape to what has finally been called slow cinema. This analysis, lastly, allows to raise the hypothesis about the relationship between this type of cinematographic image and the tradition of the still image.
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Luis Cernuda y Ramón Gaya: miradas especulares
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2021) Candeloro, Antonio
Tras el análisis de Retrato de poeta, poema que Luis Cernuda le dedica a Ramón Gaya en 1950, se llevará a cabo una reflexión sobre las relaciones siempre complejas y productivas entre literatura y pintura a partir de la técnica de la écfrasis. Seguidamente, intentaremos leer los retratos que Gaya le dedica a Cernuda para ver cómo se desarrollan y se entretejen las miradas especulares entre el pintor y el poeta.
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Problemática de estudio en el caso de los retratos de El- Fayum.
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2021) Caravaca Guerrero, Consuelo Isabel
El proceso de momificación de los antiguos egipcios ha creado grandes mitos acerca de esta civilización pero no durante toda la historia de Egipto el proceso de creación de las momias fue inmutable. Tal es así, que ante los retratos de El- Fayum nos encontramos frente al mejor ejemplo en el que convergen tres grandes civilizaciones, como son Egipto, Grecia y Roma, en un mismo marco espacio-temporal. Sin embargo, este hecho ha significado un agravio a la hora de su conservación, al no tener claro que investigadores estarían mejor preparados para estudiarlas. Otras de las peculiaridades más destacadas de estos retratos, son la técnica pictórica utilizada, la gran información que nos aportan sobre el aspecto físico de la momia e incluso la posición social a la que pertenecían ya que hasta la aparición de estos retratos, no todo el mundo podía permitirse un sepelio en el que sus restos fuesen momificados.
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Ramón Gaya: "Creo que soy poeta pintando"
(Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2021) Pittarello, Elide
Simónides de Ceos, que definió la poesía una pintura que habla y la pintura una poesía muda, contribuyó al origen de la filosofía del arte, base de la moderna estética occidental. Para el filósofo italiano Benedetto Croce el arte es la síntesis estética de la intuición y la expresión a través del lenguaje lírico. Encarna las representaciones de la belleza, un evento universal, ajeno a la Historia y a la crítica de arte. De manera más radical, Ramón Gaya rechazó este mismo saber de una manera más radical desde que era un jovencísimo pintor, decepcionado por las vanguardias. Su planteamiento de la obra de arte se aproxima a una actitud mística. Emerge cuando se enfrenta a la pintura de Velázquez en España, antes de exiliarse en México. Este sentimiento trascendente se agudiza cuando visita Venecia por primera vez, en 1952, y asocia la pintura con el agua que fluye. Es el primer paso de su identificación sagrada de las artes –pintura, poesía, escultura y música– con la Naturaleza y sus elementos cosmológicos. La experiencia veneciana posibilita una nueva creatividad icónica y verbal. La pintura conlleva siempre una enigmática dualidad, manteniendo rasgos de su procedencia misteriosa. Los poemas que Ramón Gaya le dedica al Crepúsculo de Miguel Ángel son una muestra de su intermedialidad heterodoxa, donde a la técnica de lo diáfano en pintura corresponde el uso de la negación lógica por escrito. Esta estrategia lingüística es afín a la de los ensayos que tratan del mismo tema.
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El retablo de San Cristóbal Mártir de la Catedral de Orihuela
(2022) Cecilia Espinosa, M. M.; Ruiz Ángel, Gemma; Historia del Arte
La recuperación del retablo de San Cristóbal Mártir conservado en la antesacristía de la Catedral de Orihuela y su estudio histórico- artístico y patrimonial ha permitido conocer con detalle su origen y funcionalidad en el templo catedralicio, así como las distintas modificaciones históricas que ha sufrido. La obra está compuesta por un lienzo datado en el siglo XVII en donde se muestra a San Cristóbal y arrodillado a sus pies el sacerdote Cristóbal Ripoll, beneficiado de la Catedral de Orihuela y capellán real. La pintura se ornamenta con decoración Rococó en los laterales y un escudo nobiliario en su coronamiento perteneciente a la familia Timor, quien desde 1760 tuvo su sepultura en el altar donde se ubicaba el lienzo. En la parte inferior se añadió en el siglo XVIII la predela de un antiguo retablo con las advocaciones de santos y mártires vinculados a la identidad religiosa de la Corona de Aragón.
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El retablo de San Cristóbal Mártir de la Catedral de Orihuela
Cecilia Espinosa, M. M.; Ruiz Angel, M. G.; Historia del Arte
La recuperación del retablo de San Cristóbal Mártir conservado en la antesacristía de la Catedral de Orihuela y su estudio histórico- artístico y patrimonial ha permitido conocer con detalle su origen y funcionalidad en el templo catedralicio, así como las distintas modificaciones históricas que ha sufrido. La obra está compuesta por un lienzo datado en el siglo XVII en donde se muestra a San Cristóbal y arrodillado a sus pies el sacerdote Cristóbal Ripoll, beneficiado de la Catedral de Orihuela y capellán real. La pintura se ornamenta con decoración Rococó en los laterales y un escudo nobiliario en su coronamiento perteneciente a la familia Timor, quien desde 1760 tuvo su sepultura en el altar donde se ubicaba el lienzo. En la parte inferior se añadió en el siglo XVIII la predela de un antiguo retablo con las advocaciones de santos y mártires vinculados a la identidad religiosa de la Corona de Aragón.
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Retornos de lo sagrado. Consideraciones sobre la moral en la representación artística del rostro
(Murcia: Servicio de Publicaciones de la Universidad de Murcia, 2011) Tornero Sanchis, Josep; Amorós Blasco, Lorena; Tornero Sanchis, Josep; Bellas Artes
El rostro y su representación se han convertido hoy en día en un problema que atiende aspectos éticos y morales, donde las artes visuales se han introducido con el ánimo de experimentar desde los parámetros de la estética sus posibilidades de representación. El presente artículo intenta aproximarse a los problemas morales y éticos de la identidad desde una psicología histórica, revisando algunos de las posibilidades representativas del rostro en pintura o fotografía con las que podemos encontrarnos con retornos de lo sagrado, valores simbólicos que nos proponen recordar principios y responsabilidades.
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Los vínculos entre la sociedad novohispana y el arte: coleccionismo en la década de 1620.
(Asociación Española de Americanicistas, 2020) Prieto Ustio, Ester
La numerosísima documentación conservada en el Archivo General de Indias, permite ahondar profundamente en los vínculos entre Europa y América desde diversas perspectivas y ámbitos de estudio a lo largo de casi seis centurias. Nuestro interés radica en el análisis de las obras artísticas contenidas en una serie de registros e inventarios de personajes vinculados a la Real Audiencia de México en 1622, pudiendo obtener de este modo, una evidencia más de la existencia del coleccionismo de pinturas y esculturas en el entorno virreinal mexicano. A partir de esta información, podremos comprobar la tipología de las piezas artísticas más solicitadas por la sociedad novohispana, así como la procedencia de las mismas, poniendo de manifiesto de esta manera los sistemas comerciales como la Carrera de Indias, y subrayando la relevancia de los intercambios culturales entre los continentes europeo y americano en las primeras décadas del siglo XVII.

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